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Leontia Flynn, Peter Sear, Breda Wall Ryan y Mamtaza Mehra – The Irish Times

Los interiores son muchos lugares para explorar en Taking Liberties de Leontia Flynn (Jonathan Cape, £14,99), la quinta colección del poeta. En poemas ambientados en dormitorios principales, piscinas municipales y estaciones de servicio, Flynn nos invita a acercarnos, solo para abrir ventanas a mundos más grandes. Hay una precisión en las líneas cortas y finamente elaboradas de Flynn, una ligereza que contradice la capacidad de sus poemas para abordar temas pesados. En las «aulas y laboratorios de ciencias», el lugar de aprendizaje se convierte en un lugar de peligro donde:

“Los bebés están presentes

en caso de alarma

se puede sostener de forma segura

debajo de los pañales.»

Lo suficientemente acertado para una colección titulada «Taking Liberties», en todas partes hay una sensación conmovedora de cómo nuestras libertades personales están sesgadas por la edad y la ubicación geográfica. El verano está desapareciendo en el Belfast contemporáneo, y en la Nueva York del siglo XIX, Frederick Douglass nos dice: «… vivió allí más / en un día / de lo que jamás había vivido / en un año de su vida de esclavo». («En Nueva York»). La voz del público habla más fuerte en la irónica y divertida canción «All of the people», una conmovedora línea polifónica de la vida moderna:

«Nadie dice que tu alma pasa a la clandestinidad

A medida que avanzas en tu turno 40, un clinamen!

No dicen que todos tus amigos sean alcohólicos.

que las palabras mutan: ‘Tengo que . . .’ y’Tengo que «»

Estos poemas contemplan también espacios exteriores, donde: «Una frontera es el Amado./La otra es la Edad Media». («En plataformas y en salas de espera revestidas de vidrio») La mediana edad, el envejecimiento y las complejidades de la paternidad se exploran con silenciosa insistencia y una atmósfera de pérdida, culminando en los dos poemas finales, ambos titulados «El verano se va», que destilan la tristeza del poeta en algo cristalino: «y el corazón golpea-golpea/ en el coche fúnebre del pecho/ como en la nariz/ de un barco de madera».

La décima colección de Peter Cyr, The Swerve, (The Gallery Press, 13,90 €) demuestra de manera similar la capacidad del poeta para alternar entre voces públicas y privadas. Se trata de poemas que reflexionan sobre la guerra, la muerte, la literatura mundial y la historia, que cambia de forma, tejiendo magia del mundo natural, reflexionando sobre la cercanía de la muerte con el nacimiento: «Dioses / en pañales, duermen / en un mundo estrecho» agarran , esperándose a sí mismos «. («Nacimiento en invierno»)

Si bien la preocupación por la guerra parece inquietantemente profética a la luz de los acontecimientos actuales en Gaza, con poemas como «Footsteps» que encarnan un complejo de apartamentos bombardeado («La historia son once pisos en una zona objetivo / donde pasos silenciosos suben y bajan»), Sería subestimar la profundidad de la intención de Cyr ver estos poemas simplemente como una reacción a los acontecimientos actuales. En uno de los poemas más fuertes de la colección, “Historia”, un gato se cuela en la habitación del poeta y trae, como el pensamiento de zorro de Hughes, más de lo que el poeta esperaba: “Acaricio su pelaje y toco la historia/ de cada gato. Lo sabía o lo poseía. Entre barcas funerarias, botas escitas y «consoladores paleolíticos» pasea un gato, inquieto, «todo ojos hambrientos/ y calma eléctrica, y no/ esperando, sino ocultando nuestro tiempo».

La gran atención de Cyr al paso del tiempo también se explora aquí en poemas sobre el envejecimiento, como «An Afterlife» («La luna se despierta en nuestra lengua / y se vuelve a dormir») y en el poema que da título a la colección, que define la diferencia. un segundo puede hacer. Lo más memorable es que los dos poemas que imaginan el más allá, «Ghost School» y «A Second Look at «Ghost School»», inyectan surrealismo a través de conmovedoras reflexiones sobre el más allá; el primero nos deja con un llamado a recordar el potencial de la vida (y de la muerte) por la trascendencia: “Piensa en el primer muro. Vuelve a andar así,/ nada resiste, el polvo brilla en el rostro despierto.»

La tercera colección de Brady Wall Ryan, These Are My People (Doire Press, 13 €) es un libro de muchos regresos a casa, que sitúa poemas sobre el mito y la naturaleza en el paisaje de Kameragh del propio poeta. El poema inicial de la colección revela claramente la cosmovisión holística del poeta; conocer gente de su propio lugar enciende una comprensión “como una roca del tamaño de un puño / contiene todo lo que hay que saber / sobre la montaña madre” (“Regreso a Cameragi”).

Un archivero de paisajes cambiantes, la gran atención de Wall Ryan al mundo natural y sus pérdidas, tanto grandes como pequeñas, habla una vez más de esta capacidad de mostrarnos el mundo en un grano de arena. El acto de nombrar es una especie de talismán para transformar el pasado en presente, creando una cadena humana que el poeta espera que nos sostenga:

«¿Y qué recordarán estos niños?

¿Sólo la niebla, el pan, su carrera excitada?

O las conversaciones de la abuela Margarita, autocurativa,

Bata de mujer, trébol, cortavientos,

Acedera, milenrama, el humo rosa desapareció

¿Hierbas en flor?

(«Legado»)

Junto a estas reflexiones sobre el mundo natural hay una serie de poemas que despliegan formas como la villanelle y la sextina. El último es especialmente impresionante, porque el poeta muestra el agudo ingenio del poeta al «veterano agitador encontrado en el bar»: «Atacaste a una chica que te doblaba la edad. Una causa perdida;/ se fue aburrida mientras tú tonteabas./ Nunca había oído hablar del Che y tu compañía/ apuntaba a sus senos con el logo de Hot Chick. No funcionó». Los fracasos de activistas y ambientalistas aparecen a lo largo del libro, con poemas como «Bucket List» y «We are Ocean» que preguntan «Ocean, ¿cómo se sentiría estar muerto?». Sin embargo, en última instancia, esta colección nos ofrece el poderoso consuelo de rendirnos al mundo más amplio, sus patrones y mareas: «Ríndete a la atracción de la luna, todo lo que brilla / Deja que el espíritu deslice los huesos, las mareas nos llevan». (‘Somniloquio en Naylor’s Cove’)

“El público quiere respuestas sencillas. Quiere mentones temblorosos y temblores de entonación”, comienza el poema que da título al debut de Mamtaza Mehra, Bad Poems of the Diaspora, ganador del premio Felix Dennis. (Jonathan Cabo, £ 14,99). Estas líneas mordaces presagian una nueva voz convincente y un poeta dispuesto a cuestionar la piedad. El proyecto de Mehra en este libro comienza con «Palabras convencionales», un poema breve cuya simplicidad contradice su alcance filosófico («Si desayunamos hasta las diez, eso nos hace amigos. / Si coincidimos en la misma mentira, eso nos hace compatriotas») . es explorar las ideas recibidas de la diáspora con perspicacia e ingenio. Erudita y llena de alusiones literarias, la mirada literaria blanca y su influencia en África se examina en poemas como «Rambo en Harar» y su poema complementario «Harar en Rimbaud», una combinación intrigante que funciona para subvertir la categorización europea al presentarnos una imagen negativa de sí mismo. En el último verso se nos dice:

«los colonos beben de reservas de buena voluntad

escupir sus observaciones catalogadas

ahogo

¿Cómo lo comprueban?

Mehri busca revertir esta catalogación simplista para complicar la narrativa y buscar verdades oscurecidas por tópicos. A pesar de su firme rechazo al sentimentalismo, también hay poemas que celebran la tristeza y la devastación que trae la migración, y confrontan esa tristeza con la belleza inherente a la naturaleza efímera de la sociedad inmigrante y diaspórica: cómo fomenta nuevos comienzos, la empatía y la hibridez. que es superior a los antiguos binarios.

«Somos los vectores de nuestros propios comienzos.

Ni lo primero ni lo segundo, cantamos de expropiación sangrienta, noche

el sudor, el tacto táctil, nunca más después de eso, los latidos del corazón en las rodillas

Double Dutch’.

(«Coagulación violeta de dispersiones», Parte IV)

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